Arte contemporáneo

Al empezar la asignatura Arte contemporáneo del grado de Historia, Geografía e Historia del Arte nos preguntaremos, parodiando a Barbara Kruger, qué esperáis de esta asignatura?

Barbara Kruger: Why are you here?, 1991. Fotografía y tipografía sobre papel. 15,2 x 11,4 cm. Por qué estás aquí? Y nos pide: Para matar el tiempo? Para cultivarte? Para ampliar tu mundo? Para tener buenos pensamientos? Para mejorar tu vida social?

Si miramos los manuales de Historia del Arte del siglo XX básicamente encontraremos una yuxtaposición de -ismes (impresionismo, fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo…) cosa que da una visión mucho sincopada y lineal de la realidad artística y hace difícil de entender las conexiones e interrelaciones que se producen.

Para evitar esta perspectiva tradicional se ha optado para diseñar un material con el título «La construcción de la modernidad en arte» que recoge, en 25 capítulos, las grandes rupturas, aportaciones, influencias y reflexiones que han ido construyendo el que se entiende por modernidad en arte.

Se inicia el material con una presentación de cuáles son las tipologías y modelos de artistas en el siglo XX, y se comentan los paradigmas encarnados por Vincent van Gogh, Marcel Duchamp, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Andy Warhol y Josef Beuys.

A partir de aquí, y siguiendo más o menos un relato cronológico, se analizan:

• las influencias de la fotografía y el cine en las vanguardias,
• los problemas que plantea el lenguaje verbal para describir aquello que es visual,
• el derrumbe de la valoración académica y su sustitución por la novedad, la originalidad y la diferencia,
• las polémicas creadas ante la instalación de obras en espacios públicos (Buren, Serra, Dread Scott, David Nelson),
• la fuga de Gauguin y la construcción del otro «primitivo»,
• el clasicismo de Cézanne,
• la influencia de Sigmund Freud en el ascenso del arte expresivo,
• el origen de la escultura moderna de la mano de Rueden, Matisse y Brancusi,
• la ruptura de la perspectiva renacentista: el espacio corpóreo en la obra de Picasso,
• la introducción de los sentimientos en los objetos: la abstracción con Kandinsky y Malèvitx,
• la vinculación del futurismo a la cultura de masas y al fascismo,
• la revolución dadaísta y el cambio de paradigma de arte y de artista,
• el retorno al naturalismo, con el purismo y el constructivismo ruso,
• los mitos surrealistas centrados en la mujer, el deseo y la sexualidad,
• la crisis capitalista de 1929 y el segundo nacimiento del arte abstracto,
• el papel del arte durante la Guerra fría a Europa y a los EE.UU,
• la incorporación de la cultura popular a partir del efecto Warhol,
• la crisis del informalismo y la desmaterialización del objeto, que da a la posmodernidad.

Cada tema empieza con uno: Enunciado de los problemas, donde se plantean las cuestiones que cada capítulo ayudará a resolver y que pueden facilitar la elaboración de PACS y de exámenes, así como el estudio por parte del estudiante.

Aproximadamente se tratarán a lo largo del semestre dos capítulos por semana y, en paralelo, la vanguardia a la que se haga referencia, algunas de las cuales se presentan en formado wiki (que está en construcción).

El análisis y comentario de algunas obras se realiza en formato vídeo.

Esta estructura y organización de materiales:

• la parte reflexivo-teórica en formado módulo encabezando cada capítulo con las preguntas adecuadas
• la parte descriptiva de los contenidos en formado wiki donde se da la información muy ampliada de cada –ismo y el análisis profundizado de las obras más importantes
• algunos comentarios de obras muchos significativas en formado vídeo

Ordena bastante el discurso de la asignatura y la programación didáctica del semestre.

Se inicia el corrido por la asignatura con la invención de la fotografía el 1816. Cómo incidió en la producción pictórica? Qué papel jugó en la aparición de dos corrientes, hasta cierto punto antagónicos, el impresionismo y el simbolismo? Cuando la fotografía consiguió el mismo estatus que la pintura? Para pasar, más adelante, a analizar como el cine incidió en las vanguardias.

Hacia el 1910-15, se dan un par de hechos que hay que tener en cuenta:

• una corriente antimaterialista, propiciado por las guerras balcánicas y los precedentes de la Primera Guerra Mundial, así como por la primera Revolución Rusa
• estudios sobre el lenguaje que culminan en la obra de Saussure y su signo lingüístico (significando – significado)

Combinando estos factores nos es fácil entender las bases del arte abstracto (Kandinski y Malèvitx)como investigación de una utopía espiritual y la posibilidad de una estética universal.

El conflicto realismo – sentimiento se reprodujo a los años 30 en los EE. UU. arran la crisis de 1929. Asistimos a una nueva formulación del arte abstracto a partir del fracaso de las medidas del Federal Arte Project, al ascenso de los fascismos, al descubrimiento de la dictadura stalinista, al fracaso de los frentes populares europeos… Los artistas que durante el 1930, en los EE. UU. eran pintores socialmente comprometidos y hacían arte figurativo, a finales de los 40, después de la Segunda Guerra Mundial, acontecen pintores abstractos. Y se trata de una abstracción también socialmente comprometida, contra el diseño capitalista y las formas de arte fundamentalista (la esencialismo americano y el realismo socialista)

Con la Segunda Guerra Mundial se acontece una crisis total de valores, la filosofía de la crisis, la beato generation… y todo ello lleva a un chasco ante la realidad: esta ya no es atractiva, por eso la investigación estética acontece investigación lingüística, a la hora que el arte se posa al servicio de la cultura de masas (publicidad, TVE…), en un contexto de incomunicación. Además, el centro del arte mundial (“occidental”) se desplaza de París (Europa) en los EE. UU.: dejarán de comprar arte para fabricarlo y venderlo. Y esto llevará a la “creación” de nuevas vanguardias.

Alrededor de los años 60-70, cuando el mundo (“occidente”) se ha recuperado de los efectos de la Segunda Guerra Mundial, nacen una serie de movimientos (pop arte, hiperrealismo, Schocker pop, abstracción postpictòrica, minimal arte, op arte, arte povera, land arte, body arte, arte conceptual) que irán diluyendo el objeto artístico hasta reducirlo a pura idea (arte conceptual). La abstracción postpictòricalo reduce a mera superficie de color; el minimala la mínima significación con el máximo de orden, el povera y lo land arte a los objetos de rechazo, a la pobreza significativa, a la materialidad de la propia tierra, el body arte a usar el cuerpo como lugar de prácticas artísticas… Cada uno de estos nuevos movimientos desemboca en un callejón sin salida, un callejón sin salida. Y el golpe final lo da el arte conceptual: el arte es la idea, no el objeto. Ya no hay objeto. Solo proceso…

Qué queda? Solo el individuo.

La finalidad del arte será, ahora, la expresión de la espontaneidad, de la subjetividad. Por eso es tan difícil de entender el arte a partir de los años 70, por eso es tan difícil agrupar los artistas en movimientos, por eso es tan difícil interpretarlo.

Y cuanto más el artista afirme que aquello que hace no es arte, más las galerías lo exponen y más interés suscita en los círculos artísticos. Hay que ser diferente, hay que innovar para innovar, como se acontece en todas las otras facetas de la contemporaneidad.

Joan Campàs: Els mons de l’art
Cynthia Freeland: Però, això és art?
Patricia Mayayo: Històries de dones, històries de l’art
Angela Vettese: L’art contemporani

Joan Campàs    Aura digital
Asignatura: Arte contemporáneo
Estudios de Artes y Humanidades de la UOC